Obra abierta. Umberto Eco

Umberto Eco nació en Alessandría Italia el 5 de enero de 1932, es un escritor y filósofo italiano, experto en semiótica.
Se doctoró en Filosofía y Letras en la Universidad de Turín en 1954 con un trabajo que publicó dos años más tarde con el título de El problema estético en Santo Tomás de Aquino (1956). Trabajó como profesor en las universidades de Turín y Florencia antes de ejercer durante dos años en la de Milán. Después se convirtió en profesor de Comunicación visual en Florencia en 1966. Fue en esos años cuando publicó sus importantes estudios de semiótica Obra Abierta (1962) y La estructura ausente (1968), de sesgo ecléctico. Desde 1971 ocupa la cátedra de Semiótica en la Universidad de Bolonia. En febrero de 2001 creó en esta ciudad la Escuela Superior de Estudios Humanísticos, iniciativa académica solo para licenciados de alto nivel destinada a difundir la cultura universal. También cofundó en 1969 la Asociación Internacional de Semiótica, de la que es secretario.

Obra abierta:

Escrita en 1962, la obra abierta es un concepto que funciona en términos de las obras mencionadas por Umberto Eco. Adquiere especial relevancia si es que consideramos las prácticas artísticas más radicales de esa época.  La obra abierta es un concepto que critica a narrativas modernistas anteriores que revuelven al rededor del mito del "artista genio" o "virtuoso". Cuando pensamos o hablamos de la obra abierta, presuponemos una obra de arte que esta incompleta sin el espectador. Una obra donde el espectador no es solo un espectador, sino un componente activo en la producción de su propósito; un agente fundamental para atribuirle a la obra un significado. Cada uno le puede dar la interpretación que desee y con esto se contribuye a que la obra no quede muerta. Hay muchas posibilidades interpretativas de acuerdo a la imaginación de cada persona o mejor dicho espectador.

Artistas mencionados en la lectura:

Magnasco

Tintoretto

Bayeux

Los amantes

1. Análisis pre iconográfico

Formato: Horizontal 
Pintura en oleo sobre lienzo
Color: Blanco, negro, crema, plomo, azul medio cobalto,  y rojo.
El fondo se diferencia por las lineas verticales y horizontales que se rellenan con colores fuertes, que a la vez son muy parecidos a las vestimentas de los personajes pero ubicados de manera contraria.
Hay contraste entre la vestimenta de la figura que está del lado derecho con la del lado izquierdo. Sus identidades están ocultas tras dos velos húmedos que les tapan la cara. Sabemos que son un hombre y una mujer por sus vestimentas

2. Análisis Iconográfico

Titulo de la obra: Los amantes

Autor: René Magritte (1898 – 1967)

Año:1928

Óleo sobre lienzo

tamaño: 54,2 x 73 cm.

Colección privada, Bruselas, Bélgica.

Autor: 

René François Ghislain Magritte (nació el 21 de Noviembre de 1898 en Lessines, Bélgica - 15 de Agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica).

Fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Magritte dotó al Surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

3. Análisis Iconológico:

A mi parecer es una obra muy bonita, pero yo veo ciertas diferencias con respecto al titulo, al llamarse los amantes creo que tiene similitud con la realidad, ya que no todos los amantes se aman, y no todos los besos significan amor, para mi esta obra simboliza un amor oculto, secreto, ya que los personajes están juntos si; pero las telas que cubren sus rostros no permite que se vean y se toquen por completo, creo que eso simboliza los obstáculos de la sociedad cuando uno habla de amantes. Muy aparte, las telas húmedas de su rostro también simbolizan la muerte de su madre quien se suicidó y al sacar el cadáver de su madre del río,tenía camisa húmeda cubriéndole el rostro. 

Creo que con la escena de ver a su madre muerta, la idea de amor se destruye completamente para Magritte, por eso los personajes cubiertos por las telas no pueden sentirse, ni mucho menos tener un contacto directo de lo que en este caso un beso simboliza amor.

obra abierta: Retorno

Ello, yo y superyó

Ello, yo y superyó son conceptos fundamentales en la teoría del psicoanálisis con la que Sigmund Freud intentó explicar el funcionamiento psíquico humano, postulando la existencia de un «aparato psíquico» que tiene una estructura particular. Sostuvo que este aparato está dividido, a grandes rasgos, en tres instancias: el ello, el yo y el superyó, que sin embargo comparten funciones y no se encuentran separadas físicamente. A su vez, gran parte de los contenidos y mecanismos psíquicos que operan en cada una de estas entidades son inconscientes.

Freud, en su segunda teoría acerca de la estructura del aparato psíquico, distingue tres instancias fundamentales:

• El ello: Su contenido es inconsciente y consiste fundamentalmente en la expresión psíquica de las pulsiones y deseos. Está en conflicto con elYo y el Superyó, instancias que en la teoría de Freud se han escindido posteriormente de él.

• El yo: Instancia psíquica actuante y que aparece como mediadora entre las otras dos. Intenta conciliar las exigencias normativas y punitivas del Superyó, como asimismo las demandas de la realidad con los intereses del Ello por satisfacer deseos inconscientes. Es la instancia encargada de desarrollar mecanismos que permitan obtener el mayor placer posible, pero dentro de los marcos que la realidad permita. Es además la entidad psíquica encargada de la defensa, siendo gran parte de su contenido inconsciente.

• El superyó: Instancia moral, enjuiciadora de la actividad yoica. El Superyó es para Freud una instancia que surge como resultado de la resolución del complejo de Edipo y constituye la internalización de las normas, reglas y prohibiciones parentales.

Metonimia y Sinecdoque

Metonimia: Es un fenómeno de cambio semántico por el cual se designa una cosa o idea con el nombre de otra, sirviéndose de alguna relación semántica existente entre ambas. Son casos frecuentes las relaciones semánticas del tipo causa-efecto, de sucesión o de tiempo o de todo-parte, el autor por sus obras, el signo por la cosa significada

****El tiempo pasa volando

Sinecdoque: Tropo que consiste en extender, restringir o alterar de algún modo la significación de las palabras, para designar un todo con el nombre de una de sus partes, o viceversa; un género con el de una especie, o al contrario; una cosa con el de la materia de que está formada.
También en la lírica y otras formas de poesía se usan sinécdoques para caracterizar al ser amado en términos de partes individuales del cuerpo en vez de un ser completo, coherente.


****Cumplió 28 primaveras:

Analisis de la Imagen. fotografías de Chambi (3)

1. Análisis Pre iconográfico

Formato: Rectangular
Encuadre: Vertical
Color: Blanco y Negro
Fondo neutro que da sensación de pared por el contraste de las luces y sombras formadas por las grietas y lo lizo de esta pared, en la parte inferior del fondo una textura de piedra y por la perspectiva podemos asegurar que es el piso.

Encontramos también un contraste, un juego de luces en parte del rostro y en la parte media del jarrón que se encuentra cargando el personaje. Un gran contraste de sombras en el sombrero de forma redonda del personaje; con la parte inferior del jarrón y la superior que se puede comparar al sombrero mismo.

en cuanto a texturas la vestimenta del personaje; con respecto al poncho nos da una sensación de ser una tela áspera por los mismos pliegues gruesos y duros que se forman, la textura de la soga con la cual está sujeto el jarrón se forma por las luces en la parte superior y sombras e la parte inferior de esta, al igual que el rostro, la vasija y el fondo, el mismo grano de la película nos crea este juego de texturas.

Es una fotografia picada, por la misma mirada del personaje que va hacia arriba, el contraste del sombrero del personaje con el fondo, el mismo personaje y sus pertenencias, por la misma textura hace que este destaque.

2. Analisis Iconográfico

- Martin Chambi 
- Considerado uno de los protagonistas de la "Fotografía Cusqueña".
- nombre de la fotografía: Cargador de chicha
- año: 1940
- Lugar: Tinta, Sicuani, Cusco

Analisis de la Imagen. fotografías de Chambi (2)

1. Análisis Pre iconográfico

Formato: Rectangular
Encuadre: Vertical
Color: Blanco y Negro
En el centro de la imagen podemos encontrar el rostro del personaje, el cual se encuentra en una posición 3/4 hacia la cámara.
Iluminación: luz lateral y superior de lado izquierdo.
EL rostro del personaje tiene dos arrugas muy marcadas de manera diagonal y paralelas, a la vez encontramos otra arruga mas ubicada entre la nariz y la cuenca del ojo que esta hacia el lado izquierdo.
la nariz tiene una linea vertical formada por la sombra que contrasta con la linea horizontal que divide el labio superior y el inferior. El rostro es ovalado al igual que la oreja que está ubicada al lado izquierdo y a la vez es visible solo esta por la misma posición en la que el personaje está ubicado. Sabemos también que el perfil izquierdo está mas visible por la misma iluminación.
vemos también una diagonal en forma de V en la parte inferior del rostro formada por la barbilla y la mandíbula, la cual se une a la parte superior de la nariz y forma otra diagonal con el ojo que esta en sombras formando entre estas cuatro diagonales un rombo.
observamos también el cabello del personaje, es abundante y a la vez con canas, recordandonos que es una persona adulta.

2. Análisis Iconográfico

Martin Chambi
Nombre de la fotografía: Autorretrato
Año: 1924
Lugar: realizado en su estudio, Calle Santa Teresa, Cusco.

3. Analisis Iconológico
Algo que podemos rescatar y percibir de la imagen es que muy a pesar de ser un fondo o un viñeteado totalmente negro, tiene una proporción mas ancha de esta en la parte inferior, lo cual da sensación de superioridad.

Analisis de la Imagen. fotografías de Chambi (1)

1. Análisis Pre iconográfico

Formato: Rectangular
Encuadre: Vertical
Color: Blanco y Negro
Imagen con alto contraste por las luces en el rostro y las sombras en el fondo y la tela.
una diferencia entre figura y fondo por las texturas del fondo creado y el personaje por la piel y las prendas que viste. El gorro crea un contraste de luz y sombra en el rostro del niño.


2. Análisis iconográfico

Martin Chambi
nombre de la fotografía: en muchos libros o archivos lleva el nombre de "joven mendigo" en otras es conocido como "niño mendigo".
lugar: retrato de estudio, Cusco
Año: 1934
"A los indígenas y mendigos los retrataba con la misma altivez, con la misma dignidad, algo que no hacían los demás fotógrafos de su época." (Textos: Teo Allaín Chambi, nieto del fotógrafo, entrevistado por Manuel Toledo, BBC Mundo)

análisis de la imagen: Lissitzky

1era fase:
La imagen tiene un formato cuadrado, en tonos grises (blanco y negro), una composición múltiple por el montaje entre el rostro y la mano, lineas horizontales y verticales (algunas mas grises que otras).
técnica de impresión doble,  este trabajo se basó en su auto-retrato. podemos observar que el fondo hace contraste con el rostro del personaje par que la mirada del observador se centre en el. centrandonos en el rostro, la mirada no es de manera frontal, se dirige a un punto desconocido para el espectador, uno de los ojos esta unido o cruzando con una mano que sostiene un compás, una de las lineas mas destacadas es la del circulo que está casi centrada, no terminado y formado por el compás.

2da fase:
- Autor: Nació el 23 de Noviembre de 1890, fue un artista, diseñador, fotógrafo, tipógrafo y arquitecto. Personaje importante de la vanguardia rusa. Trabajó en el diseño de numerosas exhibiciones para la Unión Soviética. Su obra influyó grandemente en la Bauhaus y en los movimientos constructivistas. Experimentó con técnicas y recursos que irían a dominar el diseño gráfico del siglo 20.


3era fase:
El objetivo de Lissitzky para el arte constructivista era revolucionar el estilo del arte ya que el trabajo del arte constructivista es tan increíble que disminuye el pasado del arte de moda.

En la década de 1920 y tras conocer en Alemania a muchos artistas de vanguardia europeos, especialmente dadaístas y miembros de De Stilj, El Lissitzky se empieza a interesar por la fotografía, realizando experimentos y composiciones múltiples y a centrarse en proyectos que combinaban lo fotográfico con lo arquitectónico. En una carta de 1924 a su mujer, Sophie Küppers, afirma: “el cuadro se ha derrumbado junto con el viejo mundo que lo creó. El mundo nuevo no necesitará cuadritos. Si necesita un espejo, ahí tiene la fotografía y el cine”.

análisis de las imágenes de Rodchenko

- Formato: horizontal/ apaisado

- personas en la calle

- formando una flecha / diagonal

- blanco negro y grises/ contraste de las personas con el fondo (uniformidad).

- lines curvas (no rectas).

- luz: natural, de dia (cenital).

- textura: poroza, ladrillos.

- no hay horizonte por el tipo de encuadre (medio y picado, central pero diagonal).

- imagen dinámica y con movimiento.

- observamos personajes en otra  dirección y con otro uniforma ( orden de jerarquía).


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- formato cuadrado.

- tonos sepia.

- personaje centrado en primer plano.

- contrapicado.

- luz natural, personaje iluminado.

- sensación de volumen por las sombras.

- objeto en la parte posterior, ubicado de manera diagonal, desenfocado.

El triunfo de la voluntad

Película dirigida por Leni Riefenstahl.
En esta película podemos observar una gran propaganda política Nazi que se desarrolla en el año 1934 en Nuremberg.
Dentro de la historia del cine es una de las películas mas conocidas de propaganda y se estrenó en el año 1935.
en los primeros planos se observan jóvenes, niños con esperanza y convicción. este tipo de imágenes es lo que se quería vender dentro de la propaganda, actualmente nosotros sabemos que no era así.

lo que nosotros como espectadores y conocedores de la historia Nazi es el final de todo (un exterminio), mientras lo que vemos en esta película es una ideología.

con respecto al formato y a lo que podemos observar:
- imágenes a blanco y negro.
- tomas aéreas.
- tomas amplias.
- falta de densidad y de detalles.
- contrapicados (que realzan la postura de Hitler).
- personajes uniformados del partido Nazi desfilando.
- líderes nazis en el Congreso.
- música que va a la par con el ritmo en que se muestran las escenas.
- imágenes que son sacadas de su contexto a favor del partido Nazi.
- analogias en ciertas partes de la película (ejemplo: llegada del avión y salida de Hitler)
- el orden en que se dan los discursos (jerarquía)
- es una película hecha por nazis, sobre los nazis y para nazis.


Analizando el mensaje de la película, podemos observar que el nombre de Hitler figura en los créditos, esta película propagandista el regreso de Alemania a ser una potencia mundial, mostrarse como poderosos frente a otros países europeos. 

Resumen clase # 3

Aura: irrepetible apariencia de una lejanía.

Walter Benjamin: pequeña historia de la fotografía.

- el objeto irradia algo que te hace sentir "algo".

El aura proviene de la autenticidad.

- la originalidad es diferente a la convención// unidad es diferente a reproducibilidad.

VALOR CONCEPTUAL    →     VALOR CULTURAL→     VALOR EXHIBITIVO
 rendir culto a la imagen              imágenes mas              llega a mas gente
                                                    culturales que religiosos

A man with a movie camera - Dziga Vertov

Es una película experimental donde nos muestra un día en la vida de un operador soviético, dedicado a filmar una ciudad desde el amanecer hasta el anochecer. Se ha relacionado con una modalidad de documentales urbanos que tuvo éxito en la época (entre el año 1929).

Las secuencias de la película son variadas, encontramos desde deporte, industria, niños, vagabundos, etc. esto hace que veamos como Vertov contrapone la industria, clases sociales  y también espacios vacíos con la sociedad en movimiento mediante cortes en todas las secuencias que se muestran en la película.

Resumen Clase # 2

Con respecto a la "sociedad del Espectáculo":
- Secuencias: imágenes de hollywood, propagandas políticas, películas de ficción, hechos históricos, documental, fotografía de moda.
- Registro de performance
- Reportaje amateur
- Público: noticiero

*catarsis: descarga de energía
*mimesis: concepto estético, imitación de la naturaleza.

litografía: impresión o grabado en piedra.
xilografía: impresión o grabado en madera.
calcografía: impresión o grabado en cobre.

- Descontextualización de las imágenes:
1850: invención de la imprenta por Gutenberg
1874: museos
pierden autenticidad
la historia tiene la verdad no la imagen.

- Con el internet se ha perdido a noción del formato original de algunas imágenes.

El aura:
Manifestación irrepetible de una obra es decir su aqui y ahora. El aura se pierda con la reproductibilidad técnica.  


Walter Benjamin: Discurso interrumpidos (resumen)

Hay un cambio de perspectiva con la llegada de la fotografía y el cine.
Benjamin menciona bastante el aura, el aura se relaciona con la pintura y mas original y la fotografía es la imagen de una imagen.

Podemos apreciar la reproducción del arte. esta afecta directamente el aura de las obras, tiene inicio en una obra junto a la creación de esta, en su utilidad, sea para culto, ritual. El aura contiene entre sus características a la unicidad, que es lo contrario a reproducción, es que es el aquí y ahora de las obras que no puede ser reproducida y que por alteraciones se logra perder, ya que el aquí y ahora de las obras se basa en eso, el momento, algo irrepetible.

También vemos el ejemplo del teatro y el cine, en el teatro los actores le hacen frente al público mientras en el cine, a las cámaras, en este momento el actor pierde su aura, aceptando actuar frente a la máquina, y por esto él tiene que actuar con toda su persona viva pero renunciando a su aura porque el aura está ligada al aquí y ahora. Del aura no hay copia.

La degeneración del valor como elemento artístico está en la reproducción masiva del elemento artístico esto resta la fuerza de la imagen.

Resumen: La sociedad del espectáculo.

En esta película se transmiten las ideas sobre el capitalismo de consumo, del modo de producción y los efectos sobre la vida cotidiana, de una manera recargada en cuanto a imagen y sonido que generan recarga y pesadez al espectador.

Por partes llega a ser muy confusa, ya que se observan muchas imágenes en tan pocos minutos.

Podemos observar que se refleja mucho la realidad, lo que vivimos a diario y lo que vivieron muchas personas en épocas atrás, como los campos de concentración, las dictaduras,los comunistas, el capitalismo, etc. Al trabajar los vídeos y fotografías en blanco y negro, nos lleva ingresar en ese contexto de años atrás.

El tema central el espectáculo que para el director es la base de la sociedad moderna  pero de una manera irreal, asimismo un modelo de producción de vida o una simple representación.

Resumen 1era Clase

1. Imagen: imago (latín): representación

-Para que el curso: hacernos conscientes de lo que hacemos (fotografía), dentro de un bombardeo de imágenes.

- entender lo que vemos

-no hay verdad propia en la imagen, pero tiene un significado de manera individual, depende del contexto.

- tu ves lo que quieres ver en la imagen.

- la imagen sola no dice nada, va de la mano con un texto o leyenda.

* vemos imágenes antes de leer, caminar, etc.
* hay una equivocación del análisis (desde el Romanticismo), al entenderla pierde su esencia.

-una IDEA FALSA: todas las imágenes son neutras (pero cada imagen tiene un autor y un porque).

2. Háptico: textura de la imagen, se vuelve mas real.

* teoria(adivinar) de la imagen personal, percibir detalles.

3. iconografia: icono: aun se puede tocar / ídolo: es mas personal (algo sagrado, no se toca)

- imagen no es el objeto

4. Psicoanálisis: mecanismo (compuesto de vivencias) inconsciente en tu desarrollo.

5. Semiotica: estudia el signo y como es interpretado.

*imagen: color, forma, textura, composición, encuadre, marco.