FOTO OBRA ABIERTA "ANSIEDAD"

Análisis OBRA ABIERTA

Umberto Eco

Umberto Eco, piamontés de Alessandría. Es miembro del Foro de Sabios de la Unesco desde 1992. Tras terminar los estudios de Filosofía en la Universidad de Turín en 1954, Eco fue, de 1962 a 1965, profesor agregado de Estética, primero en la Universidad de Turín y después en la de Milán.

En años posteriores continúa su actividad académica en diversas universidades, italianas y extranjeras, sobre todo en la Universidad de Bolonia, donde fue profesor de Semiótica y en la actualidad es catedrático de Filosofía. En febrero de 2000 creó en Bolonia la Escuela Superior de Estudios Humanísticos. En 1968 publicó su primera obra netamente de semiótica, "La structura assente", que le llevó a su obra más completa sobre la materia, "Tratado de semiótica general", publicado en 1975.

Sin embargo, lo que más fama le ha dado es su novela "El nombre de la rosa", publicada en 1980, de la que se han hecho numerosas ediciones. Por ella, Eco recibió el premio Strega, en Italia, en 1981, y el premio Medicis, en Francia. Tras el éxito de la primera, su segunda novela, "El péndulo de Foucault", era muy esperada. Publicada en Italia en octubre de 1988, fue uno de los libros más vendidos ese año. En enero de 1992, Eco presentó su libro "Semiótica, teoría e historia" y su "Segundo Diario Mínimo", continuación del libro de apuntes publicado en 1963 con el mismo nombre. Es autor también de "Los límites de la interpretación" (1992), "La isla del día antes" (1994), "Seis paseos por el bosque" (1996), y "Kant y el ornitorrinco" (1997).

Es doctor honoris causa por 25 universidades de todo el mundo, entre ellas, la Complutense (1990), la de Tel Aviv (1994), la de Atenas (1995), la de Varsovia (1996), la de Castilla-La Mancha (1997) y la Universidad Libre de Berlín (1998). Posee numerosos premios y condecoraciones, como la Legión de Honor de Francia. Autor de Baudolino (Plaza & Janés, 2001).

"Obra abierta (título original en italiano: Opera aperta)  publicado por primera vez en Italia en 1962. Mediante la apertura el lector reescribe el texto y se convierte en autor. Lo cual genera una particular relación entre lector-autor. 

Al tiempo que Eco publicaba su libro, otro semiólogo reconocido: Roland Barthes, proponía que la obra debe ser siempre abierta para que no muera"

Análisis
Es una obra la cual quiere decir que el lector o el espectador no asume una posición pasiva ante una obra ya sea un cuadro, una obra literaria o una composición musical. S no todo lo contrario  y por esto tiene mayor responsabilidad. Cada uno le puede dar la interpretación que desee y con esto se contribuye a que la obra no quede muerta.
Pueden existir muchas posibilidades interpretativas de acuerdo a la imaginación de cada uno y/o también a las razones histéricas, el background cultural.

Análisis UN PERRO ANDALUZ

Titulo Original

Un chien andalou

Año 1929

Francia

Director

Luis Buñuel

Proveniente de una familia acomodada económicamente, Luis Buñuel Portoles  nació el 22 de febrero de 1900 en Calanda, España.

Su padre, Leonardo Buñuel Gonzalez, construyo su fortuna como vendedor de armas en Cuba.

Desde pequeño comienza a visualizar óperas y obras de teatro ya que su familia poseía  palco en el teatro Principal de Zaragoza.

En esta ciudad Buñuel realizo sus estudios primarios y secundarios, mientras que su padre se vinculaba con los intelectuales de la capital.

Su formación, en principio sumamente religiosa, se vio lentamente corrompida por las lecturas de autores tales como Rosseau, Voltaire, Spencer y Nietzche que realizaba en su extensa biblioteca familiar.

Posteriormente Buñuel declarara: “Soy ateo, gracias a Dios” para distanciarse de todo dogma religioso y acentuar así la ideología de su arte iconoclasta.

Buñuel, motivado por los deseos de su padre y al finalizar sus estudios secundarios, se muda a la capital y se instala en la Residencia de Estudiantes para estudiar Ingeniería Agrónoma.

En este nuevo espacio conoce y genera un vínculo de amistad con Dalí, Lorca, Alberti entre otros artistas, como así también forma parte activa del cine-club de la Residencia.

Comienza a escribir cuentos, poesías prosas, y su interés se vuelca hacia las Letras, la Filosofía y las vanguardias artísticas contemporáneas tales como el Dadaísmo.

Su fuerte vínculo con el cine comienza tras su viaje a Paris en 1925.

Allí asiste al director Jean Epstein, comienza a escribir como crítico de cine para Cahiers D´Art y establece sus primeros vínculos y fascinación con los surrealistas.

En 1928 realiza su primer libro de poesías surrealistas llamado “Un Perro Andaluz”, mismo nombre que tendrá su primera obra cinematográfica surrealista. (Un Perro Andaluz, 1929)

La premisa para realizar este film fue:

“…no aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir todas las puertas a lo irracional. No admitir más que las imágenes que nos impresionaran, sin tratar de averiguar porqué…”

Para ello implementaron lo que denominaron “automatismo psíquico” que tenía las siguientes obligaciones formales:

Todos los medios de expresión son validos

Nada es irracional.

No admite la planificación.

La técnica se coloca en un segundo plano priorizando el instinto.

Luego de realizar Un Perro Andaluz junto a Salvador Dalí y recoger un importante éxito entre los intelectuales vanguardistas de la época es admitido en el grupo de  surrealistas de André Breton.

En 1930 Buñuel intenta repetir la fórmula surrealista en “La Edad de Oro” pero esta vez sin la coautoría de Dalí ya que según Buñuel:

“Dalí y yo éramos uña y carne por aquella época. Luego el conoció a Gala y se casó con ella y ella le transformo”

Este film connotaba un alto contenido revolucionario hacia las normas sociales, en consecuencia es prohibido rápidamente por el gobierno francés.

Pese a las repercusiones mencionadas, “La Edad de Oro” se vuelve la llave que le abre las puertas para filmar en Hollywood y expandir su fama a nivel mundial.

En la década del 40 Buñuel se nacionaliza mexicano y comienza a dirigir films en esta nueva tierra Latinoamericana hasta 1964.

Análisis

La primera escena es la del ojo cortado con la navaja.

Al principio de este cortometraje aparecen personajes que no tienen relación alguna entre sí, así como también saltos de tiempo  "como 8 años atrás" o "eran las 3 de la mañana" o "érase una vez".
Las personas aparecen en cualquier lugar y de allí se ven en un lugar diferente como si hubieran pasado en el tiempo sin embargo aparecen con la misma ropa. Nada de lo que se muestra en la película es coherente todo es irreal.
Hay historias que se cruzan que podrían tener relación pero después estos personajes aparecen con otras personas en otros lugares y en otro tiempo.
Se usan planos picados para poder dar más o menos importancia a cada personaje.
Hay varios elementos como por ejemplo el de las hormigas que podrían significar la muerte ya que se ve que le están devorando la mano a una de los hombres que aparece en la película.
Los curas jalando un piano que pesa mucho en el momento en que uno de los hombres quiere aprovecharse de la mujer como si conciencia le dijera que está mal lo que iba a hacer.
Este film tiene muchas escenas las cuales pueden ser interpretadas de acuerdo a cada espectador, todas las imágenes no muestran cosas reales sino emociones que por lo mismo cada persona que ve el cortometraje puede intrepretarlo de diferemte manera.

Análisis LOS AMANTES de René Magritte

Análisis Pre-Iconográfico

Pintura en óleo
Formato cuadrado
Imagen de una pareja que se besa con la cara tapada por los mantos de textura lisa y de color crema o blanco lo cual hace resaltar muy rápidamente cuando uno mira el cuadro. Como los mantos están pegados a las caras y por la vestimenta que cada uno lleva se puede saber quien es el hombre y quien es la mujer. Da una sensación de asfixia. se puede apreciar alguna de las facciones de cada uno. El beso es super pegado es da la sensación de ser un beso super apasionado pero a la vez como están cubiertos por el manto no podrían sentir la piel cada uno.
Están en un cuarto de dos paredes una de color rojo que es un color cálido y el color de la otra pared es azul que es un color frío. Tiene las tres líneas que son altura, ancho y la profundidad.
La pared del fondo no parece una pared si no parece como un cielo por la textura de la misma que es como si estuvieras a la intemperie, el color azul e la pared no es uniforme por esto digo que no parece una pared.
El hombre lleva un traje muy formal  por la corbata que se ve que tiene mientras que la mujer lleva una blusa de manga corta.


Análisis Iconográfico
Surrealista
Los Amantes 1928
Óleo sobre lienzo, 54,2x73cm
Colección Privada Bruselas
Bélgica

El creador de ésta imágen es René Magritte, nacido en Lessines, Bélgica, en 1898, hijo de un sastre y comerciante de telas y de una diseñadora. Pronto demostró su gran talento creativo pero no orientado hacia el mundo de la moda, como lo hacían sus padres, sino al de la pintura. Su vida artística esuvo marcada por tres momentos clave, el primero de ellos es el suicidio de su madre cuando él tenía tan solo trece años, ahogada en un río. El segundo marcó la decisión de dedicarse plenamente a la pintura, fue el descubrimiento de la obra de estilo metafísico del pintor italiano Giorgio de Chirico, cuyos cuadros, de fuerte contenido intelectual, serían imitados por Magritte. Por último, su estancia en París durante tres años, entre 1927 y 1930, dentro del círculo de artistas surrealistas, donde trabó amistad con Breton, Miró y Dalí. Este vínculo haría que su obra fuese enmarcada por los expertos dentro del surrealismo, algo que siempre rechazó el pintor, reivindicando su completa independencia. De hecho acabaría regresando a Bruselas donde podía vivir de forma tranquila, cansado de los excesos de la vida parisina.

René Magritte

Análisis Iconológico
Este cuadro claramente refleja misterio por las cabezas tapadas y también el no sentir por que a pesar de el beso que se dan  parece apasionado por la cercanía de las caras, no pueden tocarse la piel, no pueden sentir. Por el nombre de la obra se puede decir que son dos amantes he ahí lo prohibido por la sociedad.

• 
  

El ELLO, el YO, El SUPER YO

Ello

El ello se consta de todos los componentes biológicos de la personalidad, como los instintos sexuales y agresivos. Este es el único componente de nuestra personalidad que está presente en nuestra vida desde que nacemos. Los otros elementos se desarrollan durante nuestra vida. El ello funciona inconscientemente, responde directamente a nuestros instintos.

El ello es como una fuente plena de instintos primarios. Es como la “olla a presión”. Según la teoría freudiana,  el ello se guía por el principio del placer, que tiene un único propósito – obtener satisfacción inmediata de todos los deseos y necesidades humanos.

Parece que es imposible satisfacer todas las necesidades y deseos de nuestra vida. A veces una necesidad puede ser dejada insatisfecha. Los que no cumplan sus necesidades van a experimentar un estado de ansiedad o tensión.

Como ya he dicho, el ello está presente en nuestra vida desde que nacemos. Por ejemplo, un bebé hambriento gritará hasta que su necesidad se satisface. El ello es muy importante en nuestra vida, porque nos guía a satisfacer nuestras necesidades primarias para sobrevivir.

Cuando nuestras necesidades están satisfechas, lo que sentimos se llama placer. El ello no se ve afectado por la realidad o la lógica. Las consecuencias no significan nada para el ello, él tiene un soló propósito: satisfacer las necesidades primares.

Yo

El yo es responsable de la relación con la realidad. Este componente de la personalidad tiene el propósito de asegurarse que los impulsos del ello pueden expresarse de una manera aceptable para la sociedad en que vivimos. El yo desarrolla varios mecanismos de defensa para hacer frente a la ansiedad y las tensiones.

El yo es impulsado por el principio de la realidad que trata de satisfacer los impulsos del ello de una manera aceptable. El principio de la realidad compara los costos y los beneficios de una acción y después, decide actuar o abandonar los impulsos respetivos.

El yo es el mediador entre los deseos poco realistas del ello y el mundo externo, el mundo real. El yo también busca el placer tal como el ello lo hace. Pero hay una diferencia. El ello busca el placer y no le importa en absoluto las consecuencias. El yo trata de evitar el dolor y busca el placer de una manera realista.

Freud hizo una analogía: el ello es el caballo, mientras que el yo es el piloto. El piloto trata de controlar la fuerza superior del caballo.

A menudo se utiliza la metáfora del iceberg para explicar la relación entre las tres partes de la psique humana: ello, yo y superyó. Según esta metáfora, el ello representa la mitad de la conciencia y una cuarta parte del preconsciente. La otra cuarta parte se encuentra en el inconsciente.

Superyó

Según Sigmund Freud, el último componente de nuestra personalidad es el superyó. El superyó incorpora las normas morales y valores de la sociedad en que vivimos. Aprendemos estas normas y valores, especialmente de nuestros padres, pero también de otras personas que nos rodean como amigos, abuelos y maestros. Freud sugirió que el superyó se desarrolla a la edad de 4 – 5 años, durante la etapa fálica del desarrollo psicosexual.

El superyó controla los impulsos del ello, especialmente los no aceptadas por la sociedad en que vivimos. Por lo general, los instintos sexuales y agresivos no son aceptados por las personas que nos rodean.

El superyó tiene dos partes principales: el ideal del yo y la conciencia moral.

El ideal del yo es el retrato imaginario que muestra cómo debemos ser para respetar las reglas de la sociedad en que vivimos. El comportamiento que tratamos de lograr es fuertemente influenciado por nuestros padres y otros autoridades de nuestra vida. Respectando estas normas y reglas, nos sentimos aceptados, y tenemos sentimientos de orgullo y logro.

La conciencia moral contiene información acerca de las cosas y el comportamiento inaceptable por nuestros padres o por nuestra sociedad. Comportamientos prohibidos pueden conducir a la pena y el sentimiento de culpa. Por ejemplo, si el yo trata de satisfacer los impulsos agresivos del ello, el superyó hará que la persona se sienta culpable.

Los seres humanos parecen ser un campo de batalla donde dos luchadores de gran alcance, el ello y el superyó luchan juntos. El yo tiene la misión difícil de mediar los conflictos entre el ello y el superyó. El ello exige la satisfacción de los instintos primarios. El superyó se centra en las normas morales de nuestra sociedad y puede hacer que el yo se sienta culpable.

Según Sigmund Freud, una personalidad sana se caracteriza por un equilibrio entre  los tres elementos de la mente humana: ello,  yo y superyó.

Análisis 3 imágenes de Martín Chambi

Fase preiconográfico
El formato en esta fotografía es rectangular y el encuadre es vertical, la imagen es en blanco y negro con un contraste alto en el rostro, el el cual está totalmente iluminado y muestra un gesto de dureza.
La textura se muestra por el pantalón es como la de un mendigo y también donde está sentado el niño que es como un poncho que pareciera ser de lana.
La mirada del niño no es directa está como esquivando la mirada y es un amirada con el ceño fruncido como de rebeldía

Análisis Iconográfico

Autor: Martín Chambi
Fecha: 1934
Título: Joven Mendigo

Martín Chambi Jiménez (Coaza, Puno 1891 - Cuzco 1973)
Nació en el seno de una familia pobre puneña, dedicada a la minería.
1908: se muda a Arequipa para estudiar fotografía en el estudio de Max T. Vargas, es aprendiz junto a los Hnos. Vargas
1912: Hnos. Vargas abren su propio estudio y se llevan a Chambi como aprendiz
1918-1928: Corresponsal Gráfico de las revistas Variedades y La Crónica. Desde ese momento es reconocido como fotógrafo artístico.
1920: Se establece en Cuzco, aprovechando la bonanza y la atención que tiene Cuzco a raíz del descubrimiento de Machupicchu. Divide su trabajo en 2 partes: El registro comercial (por encargo) para familias de clase alta y media-alta; y su trabajo personal (antropológico, etnia andina, tradiciones, vistas de Cuzco).

Análisis Iconológico







CARGADOR DE CHICHA

Fase preiconográfica:
La imagen es en  formato rectangular y el encuadre es vertical, la fotografía es en blanco y negro. Es un retrato. La luz que ilumina la pared hace que se permita ver con claridad la textura irregular de ésta. Que pareciera ser de adobe, asimismo se logra ver el suelo el cual es empedrado. La luz que rodea al personaje hace que este sea "endiosado" como si fuese un ser superior. Hay una relación entre la forma de su sombrero y el filo del jarrón. El jarrón también tiene  En cuanto a la ropa se puede decir que esta es de material de lana (el poncho) gruesa, pesada.

Fase iconográfica
Chambi fue también conocido como el Poeta de la luz por la característica muy peculiar que trataba a sus imágenes y por su capacidad de recrear una escena con luces y todos su efectos y montajes.
La foto:
Cargador de chicha - Tinta Sicuano 1940

Fase iconológica
Se podría decir que se quiere realzar al personaje por que manera en que está "iluminado" se nota que este personaje está haciendo al rutinario que es cargar la chocha en su jarrón.

Análisis Pre-iconográfico 

1. Formato: Rectangular, encuadre vertical
2. Color: Blanco y negro
3. Contraste: Hay un  contraste alto  que se puede ver en las luces altas en la zona izquierda de la cara y las sombras en la parte derecha del rostro. 
4. Forma sobre fondo: Se ve un rostro ovalado con la parte inferior de la cara un poco alargado sobre un fondo negro. El fonde de este retrato es de color negro intenso viñeteado. Al retratado se peude observar que tiene canas lo que hace pensar que es una persona de más de 45 años.
se nota que tiene puesto una especie de sacón negro y dentro una camisa con corbata bien ajustada.

Análisis Iconográfico

Autor: Martín Chambi
Fecha: 1922
Título: Autorretrato

Martín Chambi Jiménez (Coaza, Puno 1891 - Cuzco 1973)
Nació en el seno de una familia pobre puneña, dedicada a la minería.
1908: se muda a Arequipa para estudiar fotografía en el estudio de Max T. Vargas, es aprendiz junto a los Hnos. Vargas
1912: Hnos. Vargas abren su propio estudio y se llevan a Chambi como aprendiz
1912-16: Aprendiz de Hnos. Vargas
1918-1928: Corresponsal Gráfico de las revistas Variedades y La Crónica. Desde ese momento es reconocido como fotógrafo artístico.
1920: Se establece en Cuzco, aprovechando la bonanza y la atención que tiene Cuzco a raíz del descubrimiento de Machupicchu. 
Esta fotografía fue tomada en Cuzco, pues como corresponsal de dos revistas importantes limeñas su estudio ganó fama entre las familias de clase alta de esa ciudad.

Análisis Iconológico 
Por la forma de vestir tan elegante y pulcra me hace pensar que este hombre pertenece a una clase social mas alta.

2 Imágenes una de superioridad y la otra de inferioridad

Superioridad
tengo el mundo en mis manos

Inferioridad
no soy nada ante la naturaleza (estoy al fondo)

Significado Metonimia y Sinecdoque

Metonimia:

La palabra viene del latín metonymia, consiste en designar una cosa con el nombre de otra, tomando el efecto por la causa o viceversa (las canas por la ancianidad), el signo por la cosa significada ( la cruz por la cristiandad. Se trata de una potente herramienta que amplía nuestras posibilidades expresivas tanto en la lengua literaria como en la cotidiana y que nos ayuda a entender el mundo

Mediante la metonimia, una palabra o expresión adquiere un significado adicional que se basa en una relación de contigüidad entre la realidad que nombraba originariamente y la nueva 

Por ejemplo el órgano que utilizamos para hablar es la lengua, por tanto no es de extrañar que el nombre del órgano haya adquirido el significado adicional de "lenguaje". Para entender mejor hay dos puntos, uno es que se trata de relaciones en presencia, es decir, lo uno aparece con lo otro ( por los menos originariamente). la lengua como órgano está presente en la producción del habla, el gobierno de Argentina está en la Casa Rosada, el La Rioja hay vino de Rioja y cuando llamamos a nuestro amigo "el melenas" la melena aparece con nuestro amigo. El otro punto: los dos significados se sitúan en el mismo ámbito de la realidad.

ejemplos 

Ana fue la alegría de la fiesta (fue la causa de la alegría de la fiesta)

No tiene corazón  (no tiene sentimientos)

En el Museo del Prado hay varios Rubens ( hay varios cuadros Rubens)

Sinecdoque:

Consiste en la designación de un objeto o de un todo con el nombre de una de las partes o por el contrario designar con el nombre del todo. Es de caracter retórico, donde todo ese algo un objeto es simbolizado de lleno. O decir algo en sentido figurado. Es una de las maneras más comunes de caracterizar un personaje ficticio, frecuentemente, alguien es constantemente descrito por una sola parte o característica del cuerpo, como los ojos, que viene a representar a la persona.

Ejemplos

"aparecieron en el campo de futbol once pares botas, se refiere a once futbolistas 

 todo el mundo dice lo mismo " no es todo el mundo, en realidad se refiere a mucha gente"

¡hay 4 bocas que alimentar! se refiere a 4 personas .

Análisis de la imagen "El Constructor" de El Lissitzky

Autor : EL LISSITZKY

Nació en 1890 y murió en 1941.

Fue una de las figuras de vanguardia mas importantes del siglo XX. La carrera de Lissitzky estuvo marcada por la política y la agitación social de principios del siglo XX. El siempre buscó crear obras de arte audaces y de gran impacto transformador, que mejor representasen las causas en que creía.Toda la carrera de Lissitzky se guió por la creencia de que el artista podía ser un agente del cambio social, lo que más tarde resumió en su dicho, "das zielbewubte Scaffen" (La creación orientada a un objetivo)

Fue artista diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo y arquitecto. Se le considera uno de los principales representantas del arte abstracto y del constructivismo de su país.

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre, hasta que en la época de la consolidación del estalinismo fue sustituído por el realismo socialista.

El término "constrution art" fue utilizado por primera vez de manera despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.
Responde a las premisas de la construcción del sistema socialista. Se puede decir que el constructivismo se origina como respuesta al caos que se vivía en esos años de conflicto.
Se caracteriza por ser muy abstracto, recuriendo a figuras geométricas para sus obras.
Su fundador es el escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin. La funcionalidad debía ser aplicada. En el Constructivismo, por ser un movimiento en el que se destaca lo tridimensional predomina mucho la escultura, la arquitectura y el diseño industrial. Utilizan materiales modernos con lineas puras.

Análisis de la Imagen :

Es una imagen cuadrada, donde se ven colores básicos como el negro, el blanco y el gris pero con un tono sepia.
La imagen es un foto-montaje y es un autorretrato donde la cara ocupa la mitad de ésta.
Es claro oscuro que sugiere un poco de misterio, también da la sensación de profundidad.
Hay varias formas geométricas como cuadrados, rectángulos y círculos. Así como también líneas. se podría decir que es tridimensional por que se ve el fondo cuadriculado luego la cara y sobre ésta la mano que se sobre pone ante todo.
Es una imagen abstracta porque sugiere realidad. La mayor parte de la imagen es estática aunque la parte donde está el compás podría sugerir movimiento ya que da la sensación de que éste acaba de ser utilizado por el círculo que no está terminado. Al ver la imagen da la sensación de trabajo por las formas geométricas que se muestran y por el fondo cuadriculado y por el compás.  El trabajo de un arquitecto o ingeniero.
Además la mano sugiere trabajo ya que está agarrando la herramienta. La cara de la persona osea la cara de Lissitzky tiene una mirada pensante y penetrante como si estuviera trabajando mentalmente  o resolviendo algo por la letras que aparecen en el extremo izquierdo de la foto.
La imagen me produce estrés por la mirada que tiene como si estuviera mentalmente maquinando o tratando de resolver algún problema. La mente está trabajando.
La mano que está sobrepuesta sobre el ojo me sugiere que el ojo puede ver y hacer a través  de ésta o podría ser también con ésta.
De acuerdo a lo que veo en la imagen y lo que sé del artista creo que si logra transmitir lo que en eso momento el pensaba y creía.
"Fue un artista de vanguardia rusa que no se limita a desarrollar una forma de pintura abstracta, sino que se extendió el nuevo funcionalismo a la fotografía, el diseño de libros, la arquitectura y la planificación urbana".

Imagen que representa ORDEN y otra lo contrario

Análisis de la película El Triunfo de la voluntad

Es una película-documental propagandística NAZI dirigida por Leni Riefenstahl.

En el inicio de la película se puede ver que el enfoque es con una cámara aérea, en donde todo lo que se ve es ordenado estético y simétrico, por que se ven filas de personas y la multitud en total orden, mientras Hitler pasa saludando a toda la gente.

Los planos son aéreos y con movimiento, el documental es en blanco y negro, la cámara se acerca a la gente, hay planos cerrados ya que se puede observar a las personas de cerca y se muestra la piel de las mismas perfecta, esto tiene que ver con la ideología Nazi de la raza Aria donde se habla de la pureza de la raza. Todo es superficial se ve la población contenta y esto no es real.

Habla Hitler y hablan sus ministros y aquí se muestra que hay jerarquías Se ven los niños y los jóvenes y familias como si todo fuera en perfecta armonía. No se siente ternura porque las imágenes de los niños son editadas lo que cuenta es lo que se quiere mostrar que es la sensación que da la película es de protección y esto es manipulación.

Se ve las paradas militares y los soldados en perfecto orden tratando de mostrar al mundo su fuerza militar queriendo intimidar a los demás países europeos.

El documental es creativo porque usa música clásica y monta el sonido con la imagen creando tensión, aquí hay dos clases de sonido el sonoro que es cuando suenan los tambores y sonido parlante cuando habla Hitler.

Es una película-documental propagandística por que las imágenes han sido manipuladas, sacadas de su contexto obviamente a favor del partido NAZI. 

Al ver el documental lo único que veo es que las personas están obligadas a hacer lo que están haciendo en ese momento como por ejemplo la parte del estadio en que todos están ordenados y eso no es real .

Hay una distancia entre lo que se ve y lo que se sabe es por eso que esta película-documental genera tensión.

Resumen clase Nro 4 y Análisis de el Hombre de la Cámara

La primera escena se el teatro y las sillas tienen movimiento, es como si el teatro tuviera vida, hay una analogía de las máquinas en este caso los violines que están en espera de ser usados con las personas que esperan la función.
En esta película hay planos fijos en un principio, la cámara no se mueve.
Hay fragmentos de edificios que dan a pensar que son más grandes.
Se ve lo urbano como si empezara el día, las personas y las máquinas hay una analogía sobre esto empiezan las personas a trabajar comienza su día a día y la máquinas empiezan a funcionar.
otra analogía entre el poste que le cae el chorro de agua con el despertar de la chica que se levanta y se lava la cara.
Las escenas son bien compuestas hay contrastes fuertes de luces y sombras de contraluz.
La cámara magnifica lo pequeño.
El cameraman en posición de peligro en la escena del tranvía.
De pronto primer traveling de la cámara que empieza a moverse tipo ZOOM
El hombre de la cámara es el protagonista.
Analogía entre lo animado y lo estático
Cotidiano de lo burguese y del obrero
El ojo que aparece en la misma cámara se cierra y se abre parpadea como lo hace la filmadora luego hay un parte de la película que nos quiere hacer ver que hay una cámara entre nosotros
luego se ve un tiempo de ocio la inercia de los cuerpos sin movimiento en la playa descansando en la arena. Luego los movimientos lentos en las escenas de los deportistas aquí nos quiere mostrar su técnica.
Nos quiere mostrar la realidad tal cual es y no como un filtro subjetivo.
ya no vemos la realidad como antes gracias al cine.

Análisis "EL HOMBRE DE LA CÁMARA"

La película empieza  en un teatro donde todas las personas van entrando y acomodándose para ver un film, pero luego se ve a un hombre que está detrás de éste con una cámara la cual está filmando todo. Se ve a este hombre desde lo alto de un edificio filmando toda la ciudad y se podría decir que puede observar y filmar con un mejor ángulo. Lo puede ver todo.

Siempre se muestra un ojo dentro de la cámara como si este ojo fuera la perspectiva de como se ve lo que filma, el ojo parpadea continuamente y a veces lo hace con rapidez y se ve como cuando la cámara quisiera enfocar con más detalle. Pareciera como si el ojo y la cámara fueran uno solo.

Las imágenes pasan dinámicamente y van al compás de la música, cuando los movimientos de las personas o cosas van rápido la música también lo hace. La música te lleva como a saber que es lo que va a pasar después de cada escena, te tiene como en calma o en tensión.

Hay una comparación de clases, por que se ve una mujer durmiendo en una cama cómodamente y después se muestra a otras personas durmiendo en la calle.  Por una lado se ve a una mujer lavándose la cara de una tina con agua y por otro lado se ve que están desperdiciando el agua limpiando unos postes.

Se ven las fábricas, las maquinarias como trabajan, como funcionan  así también como los obreros se desenvuelven en sus puestos.

Siempre se muestra una y otra cosa como comparándolas, por ejemplo se ve a un Sra en la peluquería arreglándose el pelo las uñas y por otro lado se muestra a una Sra cociendo o haciendo cosas manuales como cajitas que despúes se ve que son para hacer cajetillas de cigarros .

Se puede observar también imágenes todas sacadas de la realidad, deportistas en cámara lenta, todo al compás de la música.

Casi ya el final se muestra a unos trabajadores, obreros tomando cerveza y el hombre de la cámara se sumerge en un vaso gigante de cerveza y luego sale otra vez como en lo alto filmando toda la realidad de la ciudad. 

Discusión en clase Nro 3 " Discursos interrumpidos.."

Aura : es el aquí y el ahora, lo irrepetible, apariencia de una lejanía de Walter Benjamin. 

Es el presente inmediato. La cercanía en el tiempo, espacial y temporal. El aura es tu capacidad de recepcionar lo que recibimos en una obra de arte.

Un ejemplo:   ver un cuadro en una Iglesia o en un Museo no es lo mismo que verlo en una Galería de un Banco que es frío y fuera de contexto, aquí hay una securalización. Ya no se usaría como un culto si no como algo artístico.

EL aura pierda autenticidad por que empieza a ser exhibitivo y llega  a las masas.

Benjamin explica que la obra pasa del valor cultural al valor exhibitivo, al secularizarla le restamos la importancia religiosa.

El aura proviene de la autenticidad pero también proviene de la unicidad y originalidad. La unicidad es la cualidad de lo único. 

Originalidad es lo contario a convención

Autenticidad es lo contrario a copia                 

Unicidad es lo contrario a reproductibilidad 

Valor puntual : místico, religioso

Valor cultural : 

Valor exhibitivo: la proliferación de imágenes incrementa la cantidad y se pierde la calidad .

Brecht habla sobre la diferencia del cine y el teatro, el teatro es apasionado, explica los temas de la sociedad que ocupan a los humanos .

Brecht te quita la idea de la identificación, un ejemplo es el que se dio sobre Romeo y Julieta.

SE habló sobre la racionalización de la modernidad.

El capitulo 6 de Discuros interrumpidos ... hablaba sobre la cultura que reúne a las personas junta a las personas como la fe y el arte se vuelve superflúo, creyendo con el valor social del arte.

Brecht dejaba la luz prendida de los teatros al hacer sus obras por que esto hacía que uno sea partícipe de la obra, la importancia desde el espectador.

En el cine se repite en cambio la escena una y otra vez al ser filmados las personas o las escenas, hay secuencia, el especatdor no decide lo que está mirando. El cine será usada más adelante para dar sentido propagandístico.

TESIS - ANTITESIS  - SINTESIS

Godard

dice que el video pone el control te permite avanzar y retroceder te pone activo, te permite reorganizar la película , ya no importa quien ha hecho la obra, está en el espectador.

en el capítulo 12 dice que la cantidad tiñe la cualidad, ahora una obra vale por la cantidad de gente que la ha visto y no por la obra en sí.

Discursos interrumpidos en la obra de arte en la época de la reproductibilidad

Paul Valery Pieces sur lart

(Paul Ambroise Valéry, Sète, 1871-París, 1945) Escritor francés. Su obra poética, que prolonga la tradición de Mallarmé, está considerada como una de las más importantes de la poesía francesa del siglo XX. Su obra ensayística es la de un hombre escéptico y tolerante, que despreciaba las ideas irracionales y la inspiración poética, y creía en la superioridad moral y práctica del trabajo, la conciencia y la razón.

Bertolt Brecht

(Augsburgo, 10 de febrero de 1898 – Berlín Este, 14 de agosto de 1956), fue un dramaturgo y poeta alemán, uno de los más influyentes del siglo XX, creador del teatro épico, también llamado teatro dialéctico.

Atget

Su nombre completo era Jean Eugène Auguste Atget. Fue uno de los más famosos fotógrafos franceses de finales del siglo XIX. Nació en Libourne, cerca de Burdeos, en 1857. Eugène Atget realizó más de 10.000 instantáneas entre retratos y lugares de interés turístico en París. En la actualidad sus imágenes de la capital francesa son muy reconocidas y valoradas.

Luigi Pirandello

(Agrigento, Sicilia, Italia, 28 de junio de 1867 - Roma, Italia, 10 de diciembre de 1936) fue un reconocidodramaturgo, novelista y escritor de relatos cortos italiano, ganador en 1934 del Premio Nobel de Literatura.

Palabras que no entendía

Acometividad =Brío, pujanza, decisión para emprender algo y arrostrar sus dificultades

Guisa = manera

Pátina= Capa de óxido de color verdoso que,por la acción de la humedad,se forma en los objetos de metal,y especialmente en los de bronce y cobre.

Gramofónico=de Aparato fonográfico que reproduce las vibraciones de sonido registradas en un disco.

Unicidad= Cualidad de único.

Secularizar=Hacer que se abandonen los principios y comportamientos religiosos más tradicionales:

Exhibitivo= ¿? no existe 

Postrera= Último de una serie de elementos

Fruitiva = propio para causar placer con su posesión.

1

Desde épocas antiguas los griegos solo conocían dos maneras  de reproducción técnica. Fundir y acuñar y lo demás era irrepetible pero conforme pasó el tiempo apareció la litografía con la que se dio un ´paso importante en cuanto a la reproducción técnica que era mucho más precisa, esta empezó a avanzar a la par con la imprenta ..poco después apareció la fotografía .

En el año 1900 la reproducción técnica había alcanzado un standart.

 2

Incluso en la reproducción mejor acabada falta algo super importante que era el aquí y ahora de la obra existente lo irrepetible en el lugar en que se encuentre.

Esto : osea el aquí y ahora del original es el concepto de autenticidad.

La autenticidad de una cosa es la cifra de todo lo que desde el origen puede transmitirse en ella desde su duración material hasta su testificación histórica.

El ámbito entero de la autencidad se sustrae a la reproductibilidad técnica y no sólo a la técnica  (una Virgen Mediaval no era “auténtica” en el tiempo en que fue hecha, lo fue siendo el el curso de los siglos).

En la época de la reproducción técnica lo que se atrofia es el aura

3

Dentro del tiempo y los espacios históricos se modifican la percpción sensorial.

Y esto está condicionado no sólo naturalmente sino históricamente.

Aura se dice que es la manifestación irrepetible  de una lejanía

 4

Por decirlo de alguna manera la cualidad única de una obra se identifica al acoplar con el contexto de la tradición

El valor único de la obra “auténtica” tiene que estar unido al ritual en el que tuvo su primr y original valor útil.

5

Hay dos formas de recepción de obras una reside en el valor cultural y la otra en  el valor exhibitivo?? de la obra artística.

Nos parece mejor que el valor cultural empuje a la obra de arte a mantenerse oculta

6

En la fotografía el valor exhibitivo comienza a sobrepasar al valor cultural.

Aquí el fotografo Atget toma mucha importancia por retener hcia 1900 las calles de Paris en aspectos vacíos de gente.

7

Había una disputa entre la fotografía y la pintura por el siglo XIX en cuanto al valor artísticos de sus productos, pero no se era consciente de eso. la reproductibilidad técnica se desligo de su fundamento cultural.

8

el actor de teatro es él mismo que se presenta ante un público espectante y tiene la posibilidad justamente por esto de acomodar su actuación a  voluntad  propia en el mismo momento de la función, aquí hay un frente a frente con el público no hay nada que estorbe este contacto.

A diferencia del actor en una película tiene dos cosas una que tiene una cámara delante de él y el está sujeto a las posiciones que esta le indique para poder ser filmado y esta es la primera consecuencia que su trabajo se vea sujeto a un mecanismo, la otra cosa es que como no está frente a los espectadores no puede acomodar su actuación.

9

se hace como una crítica al cine ya que Pirandello dice que al actor no representa el papel ante el público si no por el contrario lo tiene que hacer ante la máquina y esto hace que renuncie a su aura.Por que del aura no hay copia y está ligada a su aquí y ahora.

10

El actor cuando se presenta ante la máquina, es de la misma índole cuando se ve al espejo y esa imagen se transporta ante el público. y a este es al que tiene que enfrentársele  este es el mercado que cosume y esto se compara con culquier artículo que s ehace en una fábrica. Todo hace que desaparezca el aura pero el cine tiene una "solución" para esto que es el culto a las estrellas que es pagado con el dinero del cine

11

12

aquí dice que cuanto más disminuye la importancia social de un arte mas se disocian en el público la actitud crítica y el placer que causa tenerla.Un cuadra siempre ha tenido la aspiración de ser contemplado por pocos.Y cuando pasó todo lo contrario fue el siglo XIX y fue cuando la pintura entro en crisis por culpa de la fotografía.

13

El cine llega y no solo es la manera como el hombre se presenta ante el aparato sino como este con ayuda del mismo se representa ante el mundo. El cine nos hace viajar por otros mundos y aventuras.

14

Hablan sobre el dadaísimo que era la corriente cultural que dieron menos importancia a la utilidad mercantil de sus obras de arte que a su inutilidad como objetos de inmersión contemplativa. Lo que conseguían era la destrucción de aura de sus creaciones. 

15

Duhamel critica el cine diciendo que es un entretenimiento para parias que no le permite pensar ni ordenar sus  ideas con tantas imágenes movedizas que no le permiten ordenar sus ideas, un espectáculo que no requiere mayor esfuerzo, las masas buscan disipación pero el arte reclama recogimiento.

Resumen 2da Clase Análisis de "La Sociedad del Espectáculo"

Analizamos la película 

¿Cuál es la secuencia?
¿Cuáles son los planos?
¿Cuáles son los encuadres? 

Es una película- documental
tiene hechos históricos
tiene partes de documentales 
propaganda 
fotografías 
reportajes 
registro de performance
y otras que podrían servir para comerciales de tv 
Muestra una cantidad excesiva de imágenes las cuales nos atiborran de información 
todo se muestra de manera tán rápida y de una forma tan abrumadora que nos tenemos que creer lo que dice el reportero. Esto es lo que que pareciera querer decir el autor.
Palabras claves :
Mimesis : imitación en Griego 
Catarsis . descarga de acumulación de la tensión, de la pena, de stress.
La imágenes que nos muestran es continua y se imponen, ésta toma la presencia vida y trata de decir que al ser así es el "éxito"
El lenguaje en la película es lineal no varía en nada, es mónotona, ya que si el lenguaje fuera discontinuo la reacción sería de otra forma.
Por esto el texto, la lectura nos importa más que las imágenes que son mostradas, que por ser de forma tan diferente nos llegan a parecer confusas.
El autor nos quiere decir con esto que nos quieren vender una idea nos hacen creer algo que no es verdad (el capitalismo, el excesivo consumismo) 
todo esto es una protesta .
El autor de la obra tenía una corriente llamada Situacionismo la cual se basaba en crear una situación en la que uno vive, partir de lo que hay en ese momento lo que uno genera, lo propio.

Segunda parte clase 2 :
litografía: es un proceso de impresión ya casi en desuso, salvo para la obtención de obras artísticas.
neolítico : piedra
xilografía  técnica de impresión con plancha de madera. 
calografía 
todo esto se usa desde épocas distintas 
La imprenta revolucionó el año 1950 con Gutemberg
después de la Revolución Francesa donde el Palacio Real se convirtió en el Museo de  Louvre hay una descontextualización de las obras de arte.
Todo esto para hablar sobre el Aura 
Aura: que es lo constituye el espacio físico de una "obra"
cuando se pierde el Aura se dice que : ha perdido la relación -objeto  el objeto pierde su misterio su autenticidad la han sacado de su "contexto".
La imagen no tiene verdad la historia sí y hay que rescatar la historia sobre ella .

Análisis La Sociedad del Espectáculo

La película-documental me pareció un poco confusa cuando la ví, pero es obvio que trata sobre una protesta, reclamo, muestra, según las imágenes que se dan en forma filosófica sobre el Capitalismo de consumo, el stress de como vive la gente en esta época moderna de producción y consumismo en que cada uno está inmerso.

En el ritmo de vida en que las personas viven el día a día, en lo cotidiano y en la rutina.

Todo esto se expone mezclando pequeños fragmentos de películas francesas y americanas sacadas de Hollywood, así como también se filman fotos de artistas conocidos de esa época. Junto con todo esto tambíen se mezcla la música de fondo como tratando de hacer sentir algo de esperanza en lo que él considera todo un espectáculo falso que solo las personas están interpretando por decirlo de alguna manera. Se muestra como viven algunas clases sociales en época de vacaciones como si todo fuera un sueño algo irreal interpretando personajes que no son reales 

Se ve también las diferentes clases sociales que existen en nuestra sociedad, las catástrofes referente a las guerras y revoluciones.

Un documental Anticapitalista  .

Resumen Clase 1

Imagen
viene de la palabra  IMAGO en latín, representación. La imagen no es el objeto, es la idealización pero no es real.

Hay una conciencia entre lo que se ve y lo que se ha hecho, se tiene que entender lo que se ha hecho con un sentido y esto depende mucho de las vivencias que hemos tenido.
Para entender una imagen y explicarla tenemos que decodificarla, ver detrás de ella.

Palabra clave HÁPTICA 
Proviene del griego HATO que es tocar.

Palabra clave TEORÍA
que viene de la palabra griega TEOREIM ( adivinar en la nubes)

Palabra clave ÉTICA
es entender que en la sociedad donde estamos donde vivimos no todo vale. 

ICONOGRAFÍA
de la palabra Griega EIKOV asemejarse a: 
entrar en la imagen.

transformar el objeto representado.

Formas de ver la imagen:
-Plásticas 
los colores, las letras los dibujos
Formas la naturaleza
Colores 
Composición : si está cerca si es lejano, primeros planos, perspectiva.
Encuadre o marco: depende del motivo o tema el plano es cerrado, abierto.
Texturas: el grano, la luminosidad.

-Linguísticos el lenguaje siempre acompaña las imágenes.

-Íconos lo que nosotros pensamos lo refleja la imagen.