Imagen abierta:

Presencia

Sin título 8

Obra abierta - Umberto Eco

El eje de la obra abierta termina por ser su carácter informal. Al decir 'informal', Eco hace referencia a una "(…) configuración de estímulos dotados de una sustancial indeterminación", prestándose así para lecturas siempre variables de espectador a espectador. Esta informalidad surge como resultado de la intención de introducir el movimiento en estructuras fijas que tienen que ser forzadas para que éste sea sugerido efectivamente. Es, de alguna forma, un modo de dinamizar la relación entre los signos presentes la obra.
El ojo es inducido a dudar por experiencia visual y con estas propuestas se halla ante una apelación a lo informe, lo obliga a mantenerse más activo para llegar al fondo de la propuesta.  Se trata de poner en crisis configuraciones tradicionales.
Encontramos distintas maneras de hacer abierta una obra. Ej:
- futurismo y cubismo, donde se descomponen figuras que marcan punto de partida, donde se sugieren los distintos puntos de vista a la hora de establecer una imagen.

  Dynasmisme d une automobilé
  Luigi Russolo
  1913

Fábrica
Pablo Picasso
1909


















 - esculturas de Richard Lippold, que posee una " (…) ambigua y visible variabilidad a partir de la perspectiva"; el cambio de ángulo de visión aporta que distintos aspectos observados sean considerados acumulativamente.

escultura de alambre
expuesto en el MoMA
2011



















Los móviles de Alexander Calder establecen otro tipo de diálogo con el espectador puesto que son ellos realizando el movimiento, en vez de nosotros

La  obra se establece como el campo de posibilidades, donde las decisiones que se tomen en torno a ella determinan cuán abierta es. En su carácter informal, está sometida a una serie de interrogantes de rigor científico en torno al concepto de lo estético; "(…) pone así en discusión las categorías de la causalidad, las lógicas de los valores, las relaciones de la unicidad, el principio del tercero excluido"

metonimia / sinécdoque

canas por vejez - metonimia

America para Estados Unidos - sinecdoque

Metonimia y sinécdoque

DRAE:

(Del lat. metonymĭa, y este del gr. μετωνυμία).

1. f. Ret. Tropo que consiste en designar algo con el nombre de otra cosa tomando el efecto por la causa o viceversa, el autor por sus obras, el signo por la cosa significada, etc.; p. ej., las canas por la vejez; leer a Virgilio, por leer las obras de Virgilio; el laurel por la gloria, etc.

Figura retórica que consiste en la que se realiza un cambio semántico, sustituyéndose una cosa o idea con el nombre de otra, sirviéndose de alguna relación semántica existente entre ambas. Son casos frecuentes las relaciones semánticas del tipo causa-efecto, de sucesión o de tiempo o de todo-parte.

Se utiliza palabras que tienen un valor simbólico para sustituir un concepto que se entiende dentro del contexto.

DRAE:

(Del lat. synecdŏche, y este del gr. συνεκδοχή, de συνεκδέχεσθαι, recibir juntamente).

1. f. Ret. Tropo que consiste en extender, restringir o alterar de algún modo la significación de las palabras, para designar un todo con el nombre de una de sus partes, o viceversa; un género con el de una especie, o al contrario; una cosa con el de la materia de que está formada, etc.


En este caso, el sentido metafórico determina la relación entre el concepto y la palabra que los reemplaza 

Foto emulando estilo Chambi

Superioridad - inferioridad

Superioridad

 Inferioridad

Self-portrait / Lissitzky

1.

Es una imagen en formato medio (6x6cm), blanco y negro.

Podemos ver a un hombre ligeramente en tres cuartos, mirando a un lado. Da la apariencia que una mano abierta proveniese de él, desde el lado derecho de su rostro hacia afuera. La mano sostiene un compás que delinea un semicírculo desde la oreja hasta la parte superior de la cabeza (coincidiendo con el centro de la cabeza)

Hay una flecha que viene del lado izquierdo de la imagen que señala a la cabeza (sobre ella se ve X Y Z).

Una línea horizontal gris oscuro va de un extremo a otro de la parte superior de la imagen, al igual que una gris vertical bastante más clara que converge con la otra y con la flecha ya mencionada.

Nada es definido del todo, hay transparencia en cada objeto incluido.

2.
Autor: Lazar Markovich Lissitzky (1890-1941) (ruso, artista suprematista)
Año de creación: 1924

Lissitzky fue fotógrafo, diseñador, tipógrafo y arquitecto. Una figura importante del avant-garde ruso. La corriente que él desarrolló en Rusia junto a su mentor Kasimir Malevich, fue el suprematismo (arte que buscó innovar al priorizar las formas geométricas, buscando de esta forma aproximar al pueblo ruso al futuro, uno que rompa con las prácticas del utilitarias de lo material  y del artista en sí). Su influencia alcanzó a la escuela Bauhaus (Alemania)


3. 

X Y Z  y las líneas que cruzan para mí hacen clara referencia a una tridimensionalidad y al tener en cuenta la presencia de la mano construyendo una figura geométrica (que queda por ser completada en la cabeza del artista), pienso que se buscó hablar en este autorretrato sobre la obra suprematista en sí.. sobre cómo asumían los artistas involucrados a esta corriente la responsabilidad de, con figuras geométricas aparentemente planas, impactar en dimensiones más allá de lo que aparentemente ellos podrían con las limitaciones que ellos mismos se autoimpusieron. 
La sobreposición de las cosas en esta imagen sirve para que el espectador no pierda de vista el entrelazar los conceptos planteados.

Descripción proceso de análisis

Fase 1 : Se especifica todo lo evidente.
Fase 2 : Contextualización e información de la obra y el autor.
Fase 3 : Posición personal frente a lo planteado. Lo planteado en las dos primeras fases se funde para enriquecer las conclusiones a las que se lleguen.

La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica - Walter Benjamin

(1) La obra de arte siempre ha sido susceptible a reproductibilidad, al poder ser imitadas (basta con pensar en los ejercicios artísticos de los que aprenden dibujo o escultura). Haciendo un breve resumen cronológico de las primeras reproducciones técnicas podemos mencionar:
1. Fundir y acuñar bronces, terracotas y monedas (actividad desarrollada por los griegos)
2. xilografía (madera)
3. Imprenta (1450)
4. Grabado (en cobre- tacografía- o madera)
5. Grabado litográfico (1796)
6. Fotografía (1839)
7. Cinematógrafo (1895)"(...) en la litografía se escondía virtualmente el periódico ilustrado y en la fotografía el cine sonoro" dice Benajamin en la lectura.

Con la xilografía por primera vez se reproduce dibujo técnicamente. Luego, en la edad media, se hacían grabados en cobre y/o aguafuerte. Se introdujo la litografía (1796) como algo innovador puesto que aportaba precisión en la definición de la imagen, pronto ésta complementa a la imprenta (inventada por Johannes Gutenberg en 1450)
con la llegada de la fotografía en 1839 se prioriza lograr la reproductibilidad de ésta al ser evidente que es la representación más fiel a la realidad alcanzada hasta el momento. Al ver los avances inventivos a los que se estaba logrando Paul Valéry dijo con gran lucidez que las imágenes llegarían a nosotros y nos dejarían con facilidad.

Con la imprenta y la inserción de los museos (Louvré el primero, en Francia 1794), se genera descontextualización de obras de arte al ser sacadas de sus lugares originales, hay una pérdida en su condición antes dada de existir irrepetible en un tiempo y espacio específico; a esto perdido: el aura. ---> (2) lo que constiye su med, fisicalidad, de alguna forma lo que lo hace único; en palabras del autor 'experiencia de lo irrepetible', el aura de una obra de arte varía de una persona a otra puesto que depende de la relación del espectador con la obra. Así pasamos de un culto al arte al consumo de este (la perdida de la apreciación que alguna vez tuvo, su aura se ha hallado alterado).

Valor cultual - valor exhibitivo

La crítica de Walter Benjamin al cine va por el lado de la falta de distancia que hay respecto a lo que pasa. Atrapan al espectador en un orden que los absorve (estructura narrativa). Ahí es donde el teatro se diferencia porque en él es claro quién es el actor y quién el espectador. La gente se queda en la comodidad y no entiende que cada imagen cuenta con un valor simbólico que es conveniente analizar para poner en cuestión la idea de verdad
 no los sacan de su comodidad para que razonen y busque nllegar al fondo de lo que se buscó decir

Termino citando a Fontcuberta en 'La cámara de Pandora ', una reflexión sobre cuán ubicua pueden llegar a ser las imágenes por estos días:
 "(...) Los derroteros hicieron que el cine se convirtiera, en efecto, en un espectáculo de masas y, que en cambio la fotografía, asediada por la urgencia y enormidad de requerimientos documentales, se limitara a ser una ocupación de las masas" (cuando tiene mucho más potencial que eso).
"(...) hoy disparar una cámara es un gesto tan banal como rascarse una oreja" .

Clase 3 - Discusión sobre La Sociedad del espectáculo

Nosotros experimentamos el documental de forma distinta al público original puesto que no es nuestro idioma natal el francés en el que habla Guy Debord, tenemos que recurrir a poner la vista en los subtítulos mientras pasan la imágenes en un fondo que no fue pensado por el autor como tal

'Lo verdadero es un momento de lo falso', dice Debord. Al ver tantas imágenes queda la sensación de asfixia, no hay posibilidad de tomar distancia

En el documental sí llega a haber momentos en los que el texto y la imagen llegan a concordar.. Para resaltar de alguna forma la estructura de lo que se va hablando 

Hay una cierta ansiedad frente a las imágenes puesto que inconscientemente se piensa que estas son la verdad, pero ante la falta de saciedad que hay al exponernos a ellas, solo queda frustración. Cuánto más vemos menos se entiende, perdemos capacidad de dar sentido. Ya no se puede determinar si hay falsedad o verdad en algo

Aparecen  Imágenes históricas  descontextualizadas y a velocidades que causan estupor, hay falta de cohesión entre el género y el registro de lo mostrado.. todos recursos a los que Debord apela para demostrar cómo es que el espectador queda confinado a la pasividad en la forma que funciona el espectáculo 

'No producimos las imágenes, nos están dadas' K. Marx.. Participamos de un grupo de imágenes que no decidimos, nos están impuestas

Hay que tener muchos filtros para entender la realidad

La imagen es siempre la misma, un signo continuo (al contrario del verbo), lo cual no permite que esta sea puesta en duda, se impone a nosotros

Se nos hace creer que estamos en control de las cosas, pero en realidad pasa todo lo contrario

Las imágenes al servicio del espectáculo buscan crear un patrón único de comportamiento para el mundo entero, poco a poco deshacerse de las individualidades

Al exponerse la gente a estímulos como la televisión tras terminar su rutina diaria se llega a una especie de catarsis (se libera energía) y tras eso, al volver a su cotidiano, han olvidado el malestar que hubo en él. Solo reciben mucho y no ponen en cuestión nada. El modelo es tan potente que ya no hay cuestionamiento de él. 

Una imagen para justificar la otra no entendida- se acumulan - adormece 

Ya no hay imitación de la realidad, la experiencia en sí es la imagen, hay una preexistencia de ella

La forma en que lleva el documental nos deja en una posición en la que tenemos que tomar acción y decidir a qué se le da importancia (a las imágenes o a lo que va diciendo Guy Debord), con qué uno se queda y con qué no. Ese mantenernos en acción de razonar y discernir nos aleja de la pasividad, nos habla de cómo es que debemos hacerle frente al espectáculo

Si uno realmente busca afianzarse como individuo debe poner en duda todo lo que se ve; hacer y disfrutar lo que a uno le interesa realmente y no las necesidades sociales que se están gestando desde las posiciones de poder.. Eso en cierta forma es la orientación de la crítica que Guy Debord hace en La sociedad del espectáculo

Clase 2 - Sociedad del espectáculo - Guy Debord (1973)

'El espectáculo es el capital en un grado tal de acumulación que se ha convertido en imagen.' -GD

Lo que se extrae de esta tesis es que el espectáculo ha llegado a tener tal repercusión en la forma en que las personas establecen su imaginario que, ahora, puede ser analizado como cultura, una que cada vez abarca más. Lo complejo de entender en primera instancia es que ésta no abarca más porque tenga alguna característica centrípeta inherente, sino, algo distinto, y casi contrario, que el espectáculo es y ha sido siempre un producto premeditado por aquellos que ejercen el poder, casi una radiografía de lo que cada vez abunda más entre las personas: vacío y falta de fortaleza en sus vidas para enfrentar la realidad, y esto termina por ser aquello que, lo querramos o no, nos acompaña a diario. Algunos lo percibimos cada vez que somos víctimas de esta asfixia tácita ante el autoengaño y la mirada frívola de la gente - y, especialmente, por el hecho de no poder tomar distancia para asumirlo- y, otros, que son la mayor parte de forma lamentable, cada vez que deciden tomarse un break de sus actividades productivas y adormecerse a través de todo lo que ha sido mediatizado pensando en ellos; a la larga, un malestar extendido y una cultura (un híbrido de ella, porque, el sentido que tuvo en algún momento, se halla desnaturalizado).

Gran parte de la sociedad tiende a relacionar el arte con espectáculo, casi como si fueran lo mismo.. y es que este, idealmente, es/debe ser su antonimia.. Es la voz autosuficiente para hacerse valer - porque cuenta con la relevancia necesaria- a través de las formas por las que se opte plasmarlo. Tal vez parte de la confusión está impregnada en el imaginario de muchos al basarse en sus observaciones de aquello de lo que se encuentran rodeados y, estando limitados sólo a eso (su rutina invadida), establecen un juicio. Sobre esto último, se debe responsabilizar a todo artista que haya decidido dejar morir el espíritu de su obra por ponerse al servicio de la visión de terceros, que, sabemos, hoy por hoy, la mayor parte no son más que depredadores de humanidad, los que cuentan con el capital para mediatizar sus intereses.

En definitiva, Debord ha buscado a través de este documental conscientizar a las futuras generaciones sobre lo que veía venir y hoy vivimos: un proceso deshumanización constante y casi inexistente para los borregos del sistema. El deber de cada artista es crear considerando este hecho como parte del contexto y, en base a ello, establecer para cuál de los dos lados va a ser de suma: si al espectáculo o a la realidad en la que vivimos y muy pocos asumen.

Termino citando:

"Hay tanto o más responsabilidad en engendrar pensamientos que en engendrar criaturas. De allí que pensar no puede ser un entretenimiento ocioso y superfluo sino una responsabilidad sagrada: un servicio, una vocación, una misión." - Antenor Orrego

y comparto, nuevamente:
Los idiotas - columna

Clase 1

Una imagen en sí no es una verdad propia, debe ser interpretada. No es neutral

Objetivo del curso es lograr que seamos más conscientes en medio del bombardeo mediático al que quedamos expuestos en estos días 

Cuando vemos detenidamente algo aprendemos a valorar más a la imagen y su sentido al punto que nuestra experiencia con la imagen llega a ser más intensa

Cada imagen tiene un autor y hay siempre atrás un sentido intencional o no 

Teorein -- cada uno 

Cada uno con su sentido frente a la imagen

Ética es entender en qué mundo vivimos, qué ha pasado en él y qué significados han surgido de ello, saber qué se usa y qué no para nuestra creación 

Pasamos de un culto al arte al consumo de este (debido a la difusión de estos días, la pérdida de su aura)

Eikov (eikon)--- ícono

Eidolom--- ídolo (tiene connotación fantasmal, no se puede alcanzar)

Un ejemplo de imagen fetichisada es cuando se cree que es el objeto o la persona en sí

Debemos estar atentos de qué quiere la grafía de los íconos y vincularlo a la historia 

Las imágenes deben pasar por psicoanálisis para así identificar qué partes han sido plasmadas conscientemente y cuáles no. Siguiendo el razonamiento freudiano, a partir del nacimiento uno tiene contacto a estímulos y a partir de eso, uno se va a relacionar con el mundo