Personajes citados por Walter Benjamin

1. Paul Valéry (Sete, 1871 - París, 1945). Poeta y filósofo francés. Representante de la poesía pura. Algunas de sus obras son "La Joven Parca" y "El Cementerio Marino". 

2. Karl Marx (Reino de Prusia, 1818 - Londres, 1883). Filósofo alemán, quien desarrolló el socialismo científico y el comunismo moderno. "El Capital" es su obra más conocida.

3. Abel Gance (París, 1889 - París, 1981). Cineasta francés, pionero del cine mudo. Su obra más conocida es "Napoleón", gran clásico del cine mudo, obra en colaboración con Max Linder, en esta hace alarde de innovaciones técnicas cinematográficas. 




















4. William Shakespeare (Reino Unido, 1564 - Reino Unido, 1616). Escritor. Entre sus obras de teatro más importantes destaca el clásico "Romeo y Julieta" y "Hamlet".

5. Ludwig Van Bethoveen (Bonn, 1770 - Viena, 1827). Compositor de música clásica, director de orquesta y pianista. Autor de nueve sinfonías, una ópera, dos misas, tres cantatas, y dos sonatas para piano, entre otras composiciones. 

6. Johann Heinrich Merck (Alemania, 1741 - Alemania, 1791). Autor y crítico, influenciado por el movimiento literario alemán. Sus estudios críticos se centraron en la literatura (poesía) y arte (pintura).

7. Rembrandt (Leiden, 1606 - Amnsterdam, 1669). Pintor y grabador holandés. Uno de los más grandes maestros del barraco. Aportes muy importantes en la iluminación. Considerado un importante personaje de la edad de oro.

8. Goethe (Alemania, 1749 - Alemania, 1832). Poeta, novelista, dramaturgo y científico. Conocido como fundador del romanticismo. Su obra cumbre es "Fausto", la cual fue reinterpretada por Walter Benjamin. 

9. Bertolt Brecht (Augsburgo, 1898 - Berlín, 1956). Dramaturgo y poeta. Creador del teatro épico, también conocido como teatro dialéctico. 

10. Sthepane Mallarmé (París, 1842 - Ibidem, 1898). Poeta y crítico. Representante del simbolismo francés. Tuvo como discípulos a Reiner Maria Rilke, poeta alemán y Paul Valéry. Creador del impresionismo literario. Fue incluido el el libro "Los poetas malditos" de Paul Verlaine. 
Retrato por Manet

11. Alexandre Arnoux (Digne, 1884 - París, 1973). Escritor. Autor de "La Bella y La Bestia". Tradujo al francés "La vida es sueño" de Calderón de La Barca.

12. Eugene Atget (Francia, 1857 - Francia, 1927). Fotógrafo.

13. Fra Angelico (Florencia, 1390 - Roma, 1455). Pintor de temática religiosa.

14. Luigi Pirandello (Sicilia, 1867 - Roma, 1936). Dramaturgo, novelista y escritor. Ganó el premio nobel de literatura en 1934. 

15. Lenin (Rusia, 1870 - Rusia, 1924). Político revolucionario y comunista. Líder de la facción volchevique del partido obrero social demócrata ruso. 

16. Charles Chaplin (Londres, 1889 - Suiza, 1977). Actor cómico, compositor, productor, director y escritor británico. Su personaje más famoso es Charlotte. Gran creador del cine mudo, una de sus obras más importantes "El Niño", "La Quimera de Oro", entre otras.

Resumen Tercera Clase (03/09/14)

Benjamin nos explica el aura como una irrepetible aparición de una lejanía. 
El aura tiene tres características esenciales:

1. La originalidad, lo cual sería totalmente interrumpida por la reproductibilidad
2. La autenticidad, lo cual sería destruido por la copia
3. El aura debe contar de un autor que le aporta esencia a la obra

Benjamin también nos describe el aura como algo sublime, entendiendo como sublime a un objeto que no alcanza a ser visto por entero, dotado de una sensación de infinitud, una presencia fuerte que no se comprende. 

Nos da el ejemplo de dos artistas fotógrafos para comprender el aura, entre ellos un trabajo distinto. 

1. Eugene Atget (Francia, 1857 - Francia, 1927): sus imágenes recrean un diálogo constante entre los códigos que la conforman. Atget buscaba crear un aura en sus imágenes cuidando mucho de su composición, utilizaba mucho códigos tales como la luz, líneas rectas o curvas, plano, profundidad, etcétera.

2. August Sander (Alemania, 1876 - Colonia, 1964): en sus imágenes el aura se encuentra más en el contenido y/o temática. Sander realizaba retratos de personas de diversas clases sociales, todos en su oficio dándoles igual importancia a todos por igual. 

Análisis - Walter Benjamin

A lo largo de la historia se ha buscado siempre reproducir la obra de arte, y se ha ido logrando de diversas maneras. En un inicio se realizaban copias como ejercicio artístico, difundir las obas y con fines lucrativos. La reproducción como la conocemos ahora es técnica, comenzó con la xilografía que logró por primera vez reproducir el dibujo técnicamente, luego con la litografía que permitía una copia más exacta. Con la litografía se consiguió ilustrar, por eso se trabajó mucho a la par con la imprenta. Posteriormente aparece la fotografía, permitiendo que la misma obra se reproduzca. Además retira, tanto de la creación como de la reproducción, el trabajo manual, dándole espacio a la creación por entero.

Lo que Walter Benjamin nos plantea en su ensayo Discursos interrumpidos en la obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica es un cuestionamiento hacia la reproducción. La gran carencia de la esencia de la obra, lo que él llama el aquí y ahora, sustenta esto como un problema estableciendo que la originalidad de la obra se encuentra en este aquí ahora, tanto como su autenticidad. Nos dice que quizás la consistencia de la obra, al ser exactamente la misma, no se ve afectada, pero si su espacio-tiempo, por ende, el hecho de ser irrepetible.

Benjamin plantea como autenticidad el origen de la obra, su duración física hasta su paso por la historia. A todo esto lo definimos como aura, y es esto lo que se ve afectado en conjunto al momento de reproducir la obra de arte.

La reproducción de la obra le resta tradición desde varios puntos:

1.       La obra toma un aspecto masivo en lugar de única

2.       Se aleja de su contexto y su función ritual

3.       Se trastorna la función del arte

4.       Una obra de arte reproducida es voluble a más reproducciones

En el punto número uno entendemos como tradición la pérdida de autenticidad como arte, para pasar a ser una obra de las masas, las cuales, como nos dice Benjamin, han buscado siempre restar la individualidad de un objeto, reproduciéndolo.

En el punto número dos se plantea el hecho de que al una obra es sacada de su contexto, pasa a ser más accesible, tanto al público como a la reproducción, para esto Benjamin nos pone el ejemplo de la religión; si una obra religiosa, como la representación de un santo, es de uso exclusivo para dentro de la iglesia, al ser sacada de este contexto, entiéndase del lugar, perderá tradición.

En el punto número tres se cuestiona la pérdida del aura. El aura de un recuerdo, por ejemplo, de una tradición familiar, viene a la mente con sensaciones, si este recuerdo se multiplica pues estas sensaciones se irán perdiendo, llevándolo al plano de la obra de arte, la función de la misma se elimina con la pérdida del aura. Benjamin nos plantea la idea de que la obra de arte es auténtica por su principal función.

El punto claro es lo que se entiende; al una obra ser reproducida da paso a que esta reproducción se siga dando.

Esto se aplica con mayor fuerza en la fotografía y el cine. La fotografía ya que técnica no es una pieza única, la imagen que se presenta vive en un negativo, el cual además de poder ser reproducido infinitas veces, está hecho para esto. Benjamin resalta el valor cultural de la imagen, utilizada para el culto al recuerdo, tanto de vivencias personales como colectivas. Sin embargo, nos dice que la fotografía, por ejemplo de retrato, conserva su aura ya que la expresión inicial que se ve representada en la imagen, se mantiene siempre ahí.

En el cine nos explica que a diferencia del teatro, la actuación está en fragmentos, donde no se trata de meterse en un personaje, si no de verse como este, y que el montaje cinematográfico se encargue de crear la narración, entonces el aura única de un espacio-tiempo no existe, si no que se mantiene en la obra proviniendo de la mecánica. Hago la comparación con lo que dice de la arquitectura, al ser una obra única, y el presenciarla es a la obra en sí, mantiene siempre su aura.

Entiendo del texto que las obras únicas tal como la pintura, escultura, dibujo, o cualquier obra de alguna disciplina donde el resultado final sea individual; la reproducción le quita el valor original para el que fue hecho, banalizándola de alguna manera, al volver su acceso más simple.

Resumen Segunda Clase

Resumen de clase 27 de agosto

Analizando La Sociedad del Espectáculo

1.       Aspectos cinematográficos:

-          Película conformada por muchísimas secuencias de planos, estáticos y diversos. *Secuencia: conjunto de planos. *Plano: puede ser una toma o varias tomas cuando se trata de una acción en movimiento mientras la cámara se encuentra estática.

-          Sensación de recibir muchísima información, por la diversidad de imágenes, la rapidez con las que estas se muestran, y además del discurso complejo que acompaña a las imágenes (voz en off)

2.       Análisis final:

-          Guy Debord nos muestra el comienzo de cómo es la sociedad hoy en día.

-          El espectáculo toma un papel tan importante que se impone a la realidad.

-          El espectáculo traspasa los límites del teatro, saliendo de un escenario para posicionarse en la realidad, confundiéndose con esta. Aristóteles definía el teatro como una catarsis, como la identificación más pura en la cual uno podía mantener distancia. Hoy en día ya no existe esa distancia.

El espectáculo involucra una estética (un modelo a seguir), la palabra estética viene de aisthesis: algo que emociona. Actualmente la estética en su mayoría se limita a algo superficial.

La revolución actual es comunicacional, al estar contaminados con imágenes, y ser pocos quienes saben formularlas, estamos siendo bombardeados con estas imágenes sin ser conscientes de esto. La guerra de hoy, es una guerra diaria, protagonizada por los creadores de imágenes y quienes las consumen sin saber producirlas.

La imagen muchas veces busca llegar al consumidor con un mensaje determinado; sin embargo, está llena de posibilidades, la imagen siempre propone, nunca resta, provoca sensaciones que pueden ramificar en infinitas desviaciones, entendiendo como desviación algo que se toma y puede transformarse para adoptar un nuevo significado. A diferencia del texto, la imagen está en frente y no puede evadirse, mientras el texto ofrece una sola teoría de principio a fin, dando así la posibilidad de digerirlo o no.

La contaminación visual mimetiza a la sociedad con la imagen, nadie puede disociarse de estas. 

Visionaje de Guy Debord

"La desvalorización del mundo humano crece

en razón directa

de la valorización del mundo de las cosas"

Karl Marx

Vivimos en una sociedad donde todo entra por los ojos. Uno vive de y para una apariencia, lo más lamentable es que quién marca la pauta de esta apariencia, no es cada uno, si no un sistema que se favorece de esta desvalorización del mundo humano, en palabras de Marx. 

Guy Debord nos ofrece una visión personal y a la vez globalizada de este proceso, en su época, y actualmente; sistema ya establecido. 

La obra La Sociedad del Espectáculo nos propone analizar la sociedad desde el consumismo, y a su vez desintegrar a este y llevarlo al punto de que la materia de consumo principal es la imagen, el espectáculo. Debord nos plantea que la sociedad busca ser espectáculo, y cada integrante imagen de este, esto nos presenta desde ya varias problemáticas:

1. El espectáculo permanente del "no-vivo". Unifica la sociedad

2. Sociedad real basada en mentiras. Lo real es fantasía

3. Afirmación de que la sociedad es simple apariencia

4. El espectáculo se presenta como lo correcto e inaccesible. Lo bueno se muestra

5. Quien determina el espectáculo es un sector separado. Reafirmación de la desunificación de lo que no existe

6. El mundo es imagen. La imagen es un ser propio

7. Toda extensión de la sociedad es un espectáculo

8. El modelo económico marca la pauta del espectáculo

En estos ocho puntos se resume la problemática de la sociedad-espectáculo, unos relacionados con los otros. 

En primera instancia Debord nos dice que la sociedad se encuentra permanentemente actuando, de sobremanera se sabe que la actuación es una farsa, algo fingido, algo forzado; por ende, nos dice que la sociedad está basada en mentiras y que lo real es fantasía, en teoría la sociedad no es real, sino un modelo de un deseo respecto a una apariencia.

Debord lo denomina como el "no-vivo", una imagen sin vida que podría representar a cada integrante o a la sociedad en su totalidad, lo llama "no-vivo" (sin vida) ya que al vivir una falsa realidad no está participando de una vida propia, transita en el limbo de lo real, lo cual está completamente alejado, y lo que quiere ser. Este ser "no-vivo" se estanca en este limbo, sin tener una actitud propia y siguiendo la de una estructura. Ahora bien, esta estructura que se busca por medio del espectáculo no puede ser real, es una simple apariencia; en primer lugar por el punto antes mencionado de que lo actuado es una farsa, y en segundo lugar porque quien dictamina este modelo no es quien lleva acabo el espectáculo, sino un sector separado que va a beneficiarse. En este punto nos encontramos con una doble negación a la realidad: la ficción de una vida en sociedad, y el hecho de que esta ficción sea decidida por un sector externo a quienes participan del acto; Debord llama a esto la desunificación de lo que no existe. La sociedad se encuentra separada por quienes determinan y quienes llevan acabo, sin embargo ambos están realizando su propia ficción, su propio espectáculo, es decir, la sociedad está falsamente dividida, se delimita la fantasía. 

Este sector apartado que determina el espectáculo -quien viene a ser el modelo económico que rige el lugar- es el modelo económico. El espectáculo está visto como lo correcto, como los cánones de vida que uno debe seguir, aquí entra el consumismo: partiendo desde el punto de que uno consume este espectáculo, lo cual lo lleva a consumir la imagen "correcta" del cómo vivir, qué comprar, qué decir, cómo verse (factores que favorecen al modelo económico). Toda extensión de la sociedad es un espectáculo, esto nos lo dice Debord haciendo énfasis en que cada acción sobre la que uno realice una muestra, se tratará de un espectáculo porque existe ya un modelo predeterminado en la mente de cada quién, y al predisponerse en cómo se debe actuar, está ya rodando el espectáculo. 

La imagen es un ser propio. Líneas más arriba se habla sobre la falsedad de la realidad, la cual es puramente una imagen, esta imagen tiene una realidad propia, por ende vida propia, y es esta la vida que el espectáculo busca alcanzar. 

Uno de los espectáculos más antiguos es el poder. El poder necesita mostrarse y ufanarse para subsistir, pero el poder no existe, el poder sin la opresión no existe, el poder sin espectáculo no existe, y el espectáculo es ilusorio. 

Debord, a partir de este ejemplo nos plantea que todo espectáculo necesita una autojustificación, y que esta también radica en el espectáculo ya que la imagen sin público no tiene validez. 

En conclusión, nos encontramos en una sociedad donde lo que consideramos real no es más que la imagen que buscamos de nosotros mismos, habría que cuestionarse la remota posibilidad de no estar contaminado de estereotipos o modelos, para así poder actuar desde fuera y no como partícipe directo del gran espectáculo. 

Resumen de la Primera Clase

La imagen (imago) es una representación de un objeto/sujeto. Como representación es simbólica e icónica, el icono proviene del griego eikon; "parecerse a", "semejante a". Símbolo proviene del griego sum-bolon; sum = junto, bolon = piedra que se partía en dos partes a manera de herencia. 

La imagen al ser una representación, posee algo del objeto/sujeto, esta habilidad se conoce como aura, y es que algo específico, una sensación, una atmósfera, del objeto/sujeto, se encuentra representada en la imagen. 

La imagen puede representar a un ídolo, más esta misma no lo es, caso contrario, es el ídolo quién se encuentra representado en la imagen. Ídolo proviene del griego eidolon, lo que significa fantasma, aparición.

La imagen puede provocar varias ilusiones, tales como:

- La sensación de que todos vemos lo mismo

- La sensación de poder ingresar en la imagen*

- La sensación de que lo visualizado es la realidad

- La sensación de que lo representado es la verdad universal

*La sensación de poder ingresar en la imagen, va de la mano con la capacidad háptica de esta, lo que consiste en sentir que puede tocarse algo de la imagen, o esta en su totalidad, de manera física a través de la vista.